Arthur C Danto

Cierto día, a mediados de 1960 – cuenta Peter Watson en su «Historia intelectual del siglo XX» -, Leonard Kessler, ilustrador de libros infantiles, se tropezó con Andy Warhol – antiguo compañero de clase – cuando salía de un almacén neoyorquino de material de bellas artes, cargado de brochas, tubos de pintura y lienzos. Kessler lo miró de hito en hito.

-¡ Andy! ¿Qué estás haciendo?

– Voy a hacer pop art – repuso Warhol.

En ese momento, a Kessler no se le ocurrió otra cosa que preguntar:

-¿Por qué?

-Porque odio el expresionismo abstracto- ¡Lo odio!

Ahora la Tate Modern presenta una exposición sobre los iconos del nuevo pop y se proponen de nuevo imaginaciones, combinaciones, experiencias y mezclas de los últimos lenguajes plásticos. Arthur C. Danto, el filósofo norteamericano, opinaba

que el arte entendido como narrativa de la modernidad, cuyo último paradigma había sido el arte abstracto, había desaparecido desde que en 1964 Andy Warhol había presentado como arte una simple caja de una marca de jabón detergente, y que arte era ya, sencillamente, lo que querían los artistas. En 1979, y comentando los retratos que hiciera Warhol, el historiador de arte Robert Rosenblum, en su catálogo para aquella exposición, escribía: «Si bien se ve al instante

que Warhol ha revivido el encanto, el brillo y el chic de la vieja tradición del retrato de sociedad, tal vez es menos obvio que, a pesar de su legendaria indiferencia por los hechos humanos, también ha capturado una increíble variedad de atisbos psicológicos entre sus retratados». El artista Jedd Garet quiso reseñar aspectos de del pop art diciendo que «cualquier tipo de declaración visual que uno quiera hacer debe pasar primero por el diseño de moda y el diseño de muebles hasta que se comienza a producir al por mayor. Al fin y al cabo, un surtidor de gasolina puede parecer diferente gracias a un cuadro que uno ha hecho; pero eso no es algo por lo que deba preocuparse un artista».

(Imágenes.- 1-Martha Rosler photo- Tate Modern/ 2.-Alberto Grifi– cortesía del archivo fotográfico del centro experimental- Tate modern/ 3.-Isabel Oliver- 1971- Tate modern/4.-Tate modern/ 5.-Ushiro Shinohara– 1966- Tate modern)

«Una gran pintura – decía Michael Brenson – es una extraordinaria concentración de impulsos e informaciones artísticas, filosóficas, religiosas, psicológicas, sociales y políticas. Cuanto más grande el artista, más se convierte cada color, línea y gesto en una corriente y en un río de pensamiento y sentimiento. Las grandes pinturas condensan momentos, reconcilian polaridades, sostienen la fe en el inagotable potencial del acto creativo (…)

Para los públicos que aman la pintura, la experiencia que ofrece esta clase de concentración y coherencia no es sólo profunda y poética, sino también extática, incluso mística. El espíritu está encarnado en la materia (…) No sólo hace que parezca existir un mundo espiritual invisible, sino que parezca accesible, dentro del alcance de cualquiera que reconozca la vida del espíritu en la materia (…) La pintura apunta hacia la promesa de curación».

Ahora Frederick Wiseman nos desvela en un documental las entrañas de la National Gallery. Pasan ante sus salas el museo de los caracteres, las miradas, la

formación, la ignorancia, el asombro, unos ojos que se acercan al espejo del arte, el museo de las vidas dispersas, cada una con su edad y su inquietud, detenidas o apresuradas ante marcos de cuadros, adentrándose en lienzos, indagando perfiles, captando colores. D´Ors, en sus «Tres horas en el museo del Prado«, señalaba, hablando del tiempo de observación,»que jamás he alcanzado a conocer

bien aquellas ciudades del mundo adonde llegué creyendo tener mucho tiempo por delante. En cambio, en ocasiones de breves excursiones de turista, ocho días pueden bastar para una ciudad entera, sus monumentos y sus curiosidades. Digo lo mismo de un Museo».

Uno de los críticos que más han tratado el tema del museo como fue Arthur C. Danto, titula uno de sus trabajos «Los museos y las multitudes sedientas» y aunque él se refiere a los museos americanos, las multitudes sedientas están por todo el mundo. Avanzan por las salas descubriendo, observando, algunos ojos

arte-bhhy- museo- Lina Bo Bardi

de estos museos de hombres y mujeres se quedan intrigados ante otros ojos que aparecen en un lienzo. Se acercan, se alejan, susurran un comentario, vuelven a

acercarse. Pasan del asombro a la contemplación. No recuerdan que gentes como ellos- proyectadas en el tiempo – han servido como modelos de pintores, los museos de las vidas guardan aún más riqueza que la vida de los museos.

(Imágenes.- 1.-Burt Glinn– 1964/ 2.-National Gallery- foto REX/ 3.-Marie Sechtlová– Schely- museo de la fotografía-Vosecek-limonous- lint/4.-Holbein-Los embajadores- Wikipedia/ 5.- Holbein-Cristina de Dinamarca- National Gallery/ 6.-Lina Bo Bardi/ 7.-National Gallery/ 8-Tim Walker– W Magacine)